Due to the overwhelming positive feedback we’ve had to ‘Here Versus There’, our Artist Residency with Tania Marmolejo, and Friday evening’s Meet and Greet with Tania, Lyle O. Reitzel NY will be extending ‘Here Versus There’ for 2 more weeks.
Additionally, we have added 3 new pieces to the exhibition, 2 of which you may have seen in-progress during the residency. We hope to see you at Lyle O. Reitzel NY soon.
The Lyle O. Reitzel Gallery, founded in 1995, presents the new solo show of the acclaimed Cuban master Luis Cruz Azaceta titled “A Question of Color”, which will take place on Thursday June 14, 6:30-10:00 pm, in its main space at Torre Piantini, Santo Domingo.
The individual exhibition curated by LOR, belongs to a recent period 2016-2018, and consists of eleven sophisticated paintings of minimalist craftsmanship and explosive colors, handling abstract/geometric constructions in the composition of large and medium formats, produced in mixed techniques on canvas and also featuring two works on paper.
2017, Acrylic on canvas, 36h x 36w in
2016, Acrylic on canvas, 60h x 48w in
2017, Acrylic on canvas, 48h x 60w in
2016, Acrylic on canvas, 48h x 48w in
2017, Acrylic on canvas, 48h x 48w in
Azaceta explores the world we inhabit and its constant processes of change: the environment, terrorism, migratory movements, identity and the collapse of economies. The artist states “Through art, I face these realities. My intention is to create compassion. The vehicle of compassion is the aesthetic that attracts one to look closely at what are, perhaps, sometimes dantesque matters and embrace them”.
For the master, art is a way of facing the world, he recognizes that change is inevitable and we are all implicated in it. “The world we inhabit is contingent and changing; and chaos is an inherent part of the process. This is the reality that we all share and that we often ignore” he comments.
Luis Cruz Azaceta, born in Havana in 1942, left his home country as a teenager in 1960. After emigrating to the United States, he lived in New York, graduated from the School of Visual Arts and began his long career as an artist. Since the late 1970s, his paintings and drawings have addressed the moral and ethical pulse of this country. His first works focused on urban violence, AIDS and racism.
Cruz Azaceta is a devotee of the visual experiment who often develops parallel series in several media at the same time, combining materials in totally unexpected ways, such as with his extended series of photographs mounted on twisted metal bolts.
The artist has exhibited extensively nationally and internationally and has been awarded by The Guggenheim Memorial Foundation, The National Endowment for the Arts, The New York Foundation for the Arts, The Joan Mitchell Foundation. His works belong to the permanent collections of the Metropolitan Museum, NY, Museum of Modern Art (MoMa), NY, The Whitney Museum of Art, NY, The Smithsonian American Museum of Art in Washington, DC, Museum of Fine Arts, Caracas, Venezuela . Marco, Museum of Contemporary Art of Monterrey, Mexico, among others.
“A Question of Color” will be open to the public through August 2, 2018.
Lyle O. Reitzel Gallery NYC is happy to announce that we will be opening early on May 4th and participating in Armory Week’s LES Early Morning show. We will be open from 10am, alongside 35 other wonderful galleries in the Lower East Side. Come join us and check our current exhibition, ‘Here Versus There’ a solo show of drawings and paintings by Tania Marmolejo. On display until May 15th.
To coincide with this, on the evening of the 4th we will also be having an evening with the artist from 6:30-9:00 PM. Join us for a meet and greet with Tania Marmolejo, she will be here to discuss her current work and the exhibition.
We look forward to seeing you then.
Scherezade García. “De este lado del Atlántico”, 2018. Acrílica y pigmento en lino. 144″ x 72″
Un texto de Camila Maroja.
¿Cómo podemos navegar las turbulentas aguas de nuestras historias coloniales, y desentrañar los hilos que entrelazan los mitos nacionales? Las obras de Scherezade García en “Stripes, Fireworks and Other Stories” nos invitan a reconsiderar las ya conocidas narrativas que describen nuestro mundo.
Al apropiarse y transformar símbolos nacionales antiguos y nuevos- la Estatua de la Libertad, el retrato de Ulises Heureaux, las orejas de Mickey Mouse- sus cuadros fungen como un mapa sugerente, sobre el cual podemos reconfigurar nuestra experiencia de Las Américas.
El mapa de la artista “insinúa” en el sentido que no se adhiere a los principios tradicionales de la cartografía. García, reconociendo la importancia y carácter simbólico de cualquier representación, rechaza los patrones de líneas paralelas y meridianos, y adopta un acercamiento más barroco, para describir la tierra y el mar caribe que la vieron a nacer.
Una de las genealogías del término “barroco”, un estilo que adopta líneas enrevesadas se remonta a perlas asimétricas; y buscar perlas fue de por sí una de las principales causas que llevó a Colón al mar, llegando finalmente a La Española.
Si la etimología del barroco sitúa al Mar Caribe como la cuna de las empresas coloniales, entonces la obra de García “Theories of Freedom: Sea of Wonder” (*Teorías de la Libertad: Mar de Maravillas) se refiere al mar como una diáspora. El título de la obra transforma el reino oceánico en un espacio libre, y de ahí la inversión de las colonias con el mar Caribe, con la promesa de las riquezas a derivar del “descubrimiento” de tierras pobladas,
el cultivo de perlas y la trata de esclavos. El trabajo de Scherezade García presenta al mar como una “avenida líquida” la cual impulsa la composición tan diversa del hemisferio americano, donde se entremezclan nativos, africanos y europeos. Esta trayectoria diaspórica evoca la propia dislocación de isla a isla de la artista, cuando se mudó de República Dominicana a Manhattan.
La dimensión de Sea of Wonder (Mar de Maravillas)
Mar de las maravillas/Sea of Wonder, 2010-17 8h x 120w, Figura 1
sobrepasa los límites de lo visual, desbordando la mirada del espectador. Montado verticalmente sobre las paredes de la galería, la obra artística reorienta el horizonte para que el mismo no yazca cómodamente a la altura de los ojos, desplazando el límite físico donde el cielo se encuentra con la tierra y el mar, reformulando así nuestra visión del mundo. En este mar de externa expansión, todo se encuentra al centro; no existen márgenes. Como complemento a la incertidumbre de este territorio inexplorado, el color de las olas serpenteantes (¿son grises o plateadas?) esto confunde el ojo y acoge lo que el intelectual caribeño Édouard Glissant, dice cuando se refiere a la opacidad: un antídoto contra el ojo transparente siempre en constante búsqueda de la verdad absoluta, y que reduce a las personas a binarios.
García también hace uso de este concepto, cuando describe a sus personajes y el color de su tez. Las figuras de color canela, pintadas en grisalla, contrastan con fondos saturados en tonos rojos, rosados, dorados, y aguamarinas cristalinas. La artista dió con este tono ambiguo al mezclar todos los colores de su paleta, creando así, el color de la inclusión. Escapándose de las clasificaciones binarias reductivas, las figuras racialmente ambivalentes de García en Blond Mulata(La Mulata Rubia) (2015) (Figura 2) y Paradise According to the Tropics: Sunburned Jesus Christ(2016) (El Paraíso según el Trópico: El Cristo Bronceado) revisan los géneros clásicos del retrato y la pintura religiosa al insertar el mestizaje como el corazón de la creación de Las Américas. La artista trabaja tanto dentro y en contra de los principios artísticos convencionales, desestabilizando el significado de las conocidas historias, al mezclar a Jesucristo con el avión, los halos y las orejas de Mickey Mouse dentro de un entorno tropical.
The Blond Mulata, 2016 acrílico y carbón sobre lino 72h x 48w Figura 2
La figura de tez oscura y cabello claro en Blond Mulata (La Mulata Rubia), por ejemplo, está acurrucada a un salvavidas, navegando plácidamente entre aguas turbulentas- con sus collares colgantes como la única evidencia del alboroto violento que implica el viaje. Uno de sus pequeños medallones retrata a la Estatua de la Libertad, sugiriendo un posible destino. Más, sin embargo, ese ícono de América como la tierra de las oportunidades, también se describe como una mujer de color canela- una iconografía que reemerge en Talking the Talk, Walking the Walk II (Hablando y Demostrando II) y algunos de sus bocetos preliminares. Al presentar este símbolo como una mujer mestiza, García se rehúsa a respaldar las afirmaciones de excepcionalidad estadounidense, recordándole a los espectadores de la naturaleza diaspórica del país y su lugar dentro de Las Américas. El trabajo de García representa a los Estados Unidos como no inmune a la diversidad que resultó del viaje y la migración, de objetos y personas en evolución constante.
Stripes and Fireworks, 2017 acrílico, carbón, pigmento y tinta sobre lino 72h x 48w in Figura 6
Las pinturas producidas por García durante una residencia en Nueva Orleans en el año 2017 presentan a la ciudad como sede emblemática de una América diversa que es constantemente minimizada por las mitologías de homogeneidad cultural. En obras tales como América: About Stripes and Fireworks (América: Entre líneas y fuegos artificiales) (Figura 6) y American Sacrifice (El Sacrificio Americano) (Figura 7), la artista desmonta los patrones de “Stars and Stripes” (*Franjas y Estrellas) de la bandera estadounidense. Las obras combinan estos elementos simbólicos, conjuntamente con fuegos artificiales y festivos collares de cuentas evocando su entorno americano, con referencias visuales a su caribe natal: ornamentación barroca dorada, un azul verdoso casi transparente, y ambigüedad racial.
“América: ¿A quién sacrificas ahora?”, 2017 acrílico, carbón, pigmento y tinta sobre lino 72h x 84w in Figura 7
Si esta combinación variada de elementos desafía la fantasía de la solidaridad, también elimina la ilusión de la incompatibilidad de caracteres. La iconografía yuxtapuesta de García resalta las similitudes que predominan en espacios tales como la República Dominicana, Manhattan y Nueva Orleans.
Al colocar un bicornio, el famoso sombrero usado por Napoleón, sobre las cabezas de las figuras retratadas en American Sacrifice y de Ulises Heureaux en “Lilís: Acariciando al Chivo” (Figura 8), por ejemplo, García expone una inclinación hemisférica muy común hacia los dictadores y chivos expiatorios.
“Acariciando el Chivo: entre dos naciones”, 2017 acrílico, carbón, pigmento y tinta sobre lino 72h x 84w in Figura 8
Al emplear múltiples significados que componen una América más grande, estas obras también evocan una percepción escéptica del nacionalismo. En American Sacrifice, un cerdo sacrificado denota la antigua práctica mediante la cual los autócratas regalaban alimentos durante las celebraciones para perpetuar la opresión. En Lilís: Acariciando al Chivo, el niño sujetado fuertemente por el dictador, figura entre las palabras taínas Quisqueya y Ayití, como un doloroso recordatorio del único isleño que puede circular libremente dentro del territorio dividido entre la República Dominicana y Haití.
Al hacer referencia a los mitos del pasado y del presente, y las historias de viajes personales y políticos, la obra rompe con la percepción hegemónica que combina a los Estados Unidos con América y ubica al Caribe como un otro exótico. Al resaltar la mutabilidad de las historias, García crea una alternativa.
Los cuadros de la Colección Tignon: Rayas de la Resistencia I y II (Tignon Collection: Stripes of Resistance I and II) (Figura 9 y 10) (también producidas en Nueva Orleans), representan lo que la artista llama “resistencia pasiva”. Pintadas usando una paleta de fuertes tonos rosa, estos lienzos yuxtaponen mujeres de color canela usando tocados elaborados contra las rayas que evocan a la bandera estadounidense y la decoración barroca. García refuerza visualmente la intervención de estas figuras al expandir el tignon en ondas de cascadas flotantes que hacen eco formal con la decoración barroca dorada. De la mano con imágenes que sugieren el nacionalismo estadounidense (la bandera y los fuegos artificiales), ambos lienzos componen una visión ampliada de América.
The Tignon Collection and the resistance I 2017 acrílico, carbón y pigmento sobre lino 66h x 50w in Figura 9
Los tocados usaron por estas figuras hacen mención a la historia de Louisiana- específicamente a las leyes suntuarias del 1786, la cual requería que todas las mujeres afrodescendientes se cubrieran el cabello, para evitar que se adornasen del mismo con cuentas y joyas, evitando así llamar la atención de pretendientes blancos. Impuesto como un medio para mantener la distinción de las clases, la ley que obligaba el uso de los tignon resultó contraproducente: las ingeniosas técnicas de envoltura, utilizando los más finos materiales resaltaron la belleza natural de las mujeres de color. El tignon ejemplifica como una marca de otredad denigrada puede evolucionar hasta convertirse en un acto de afirmación de auto-empoderamiento.
Al navegar por los turbulentos y barrocos senderos de las historias nacionales y continentales, el trabajo de Scherezade García revela como el significado de una historia es rara vez el mismo, pues cada historia está abierta a un desenlace diferente, de tal forma que, como Yemanyá la deidad de los mares (Figura 11)- quien migró desde los ríos de África Occidental, hasta las costas de Haití, Cuba y Brasil- abarca vastos territorios.
“Yemaya in exile I”, 2016 acrílico, pigmento, carbón, tinta y print de linoleum 60h x 49w Figura 11
La Dra. Camila Maroja (Ph.D., Duke University) es historiadora de arte y culturista visual, especializada en arte moderno y contemporáneo en América Latina. Es actualmente la Docente Distinguida Kindler de Historia del Arte Contemporáneo Global, y Profesora Adjunta de Arte e Historia del Arte en Colgate University.
Lyle O. Reitzel Gallery NY is proud to present a collection of recent drawings and paintings by Tania Marmolejo, a Dominican artist living in New York. The works displayed are heavily inspired by her Swedish and Dominican upbringing, and the large-scale, ambiguous female facial expressions in her paintings explore issues of gender and her identity as a Scandinavian Caribbean female artist.
‘I believe in the middle ground. Not the tame, ‘I give up’ middle ground, but the tense, uncomfortable point that provokes reflection and thought when confronted with opposing ideas, emotions and forces’. – Tania Marmolejo
‘Here Versus There’ will be open at Lyle O. Reitzel Gallery NY until May 15th, 2018
¡Da un vistazo 180° a nuestro primer show colectivo 2018 !
Muy pronto en LOR Gallery Santo Domingo, con la participación de Ignacio Iturria, José Bedia, Gerard Ellis, José García Cordero, Santiago Ydáñez, Luis Cruz Azaceta, Raúl Recio, Scherezade García, Milton Becerra y Edouard Duval-Carrié.
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Peek into our upcoming group show in LOR Gallery Santo Domingo!
Featuring Ignacio Iturria, José Bedia, Gerard Ellis, José García Cordero, Santiago Ydañez, Luis Cruz Azaceta, Raúl Recio, Scherezade Garcia, Milton Becerra and Edouard Duval-Carrié.
The legendary master and American universal icon Chuck Close makes a surprise visit to the studio of Dominican artists Gérard Ellis, in Brooklyn NYC.
“I had the great honor of receiving the visit of Chuck Close to my space during the Art Gowanos Open Studios.
Not only his work but also his story is a stimulating example to everyone. Years ago I read “Chuck Close Life”, by Christopher Finch, and I highly recommend it.” – Gérard Ellis.
El retrato ha estado presente durante toda la historia del arte. La evolución del retrato ha sido reflejo de cada época, desde el inicio de la civilización se evidencia como parte del vocablo cultural y método de expresión artística. Desde sus inicios como práctica de veneración a dioses y gobernantes, hasta su explosión durante el Renacimiento que lo popularizo entre el hombre común, el retrato expresa de manera única la expresión pura del ser humano.
Robert Dandarov nació en Macedonia en el año 1959 y vive en Brooklyn, NY, desde los años 80. Se destaca por hacer presente los mitos y las narrativas religiosas sobre los enfrentamientos de Oriente y Occidente. Su arte expresa profunda crítica social, usualmente tocando temas políticos y religiosos. Como retratista se ha caracterizado por su exquisita precisión en el trazo, y cuya finura detallista al momento de retratar lo posicionan como un importante exponente en el arte figurativo contemporáneo.
Su primera vez en República Dominicana fue hace más de 18 años, invitado por la Escuela de Arte y Diseño de Altos de Chavón. Debido a su impresionante realismo y clasicismo, el retrato de Dandarov ha llamado la atención a numerosas personalidades en el país, coleccionistas y amantes del arte quienes se inmortalizan en el tiempo a través de la finura gestual de este gran retratista.
Comisiona tu retrato con Robert Dándarov en Lyle O. Reitzel Gallery.
Lyle O. Reitzel Gallery, founded in 1995 with locations in New York and Santo Domingo, is proud to announce Fulgor, the first solo show in the Dominican Republic by renounced Spanish artist Santiago Ydáñez, which will take place on November 2 in its main location in Santo Domingo, Torre Piantini, from 6:00pm-10:00pm.
Fulgor is an impactful collection of works from 2010 to 2017, with more than a dozen large format paintings in acrylic on canvas, where the artist shows an impressive touch and fine gestures. He also integrates other objects from a recollection of vintage elements, which he intervenes and
appropriates, elevating them in what is considered “objet d’art”. In his artworks, he cultivates his non expressionist portraits, landscapes, and animal iconography.
According to Omar Pascual Castillo, a Cuban-born art critic living in Spain: “Ydáñez’s painting avoids being illusory, the force of his stroke fractures all illusion, it kills it, destroys it with strength stuck in time, made into gesture, never still, in that strange calmness that is the pictorial.”
Born in Jaén (1969), Ydáñez is acclaimed by Spanish and European critics as one of the most prestigious contemporary artists, after being rigorously evaluated by deep technical studies. A graduate in Fine Arts from Granada University, he has developed and consolidated a solid international reputation. As such, he has presented his art in different scenarios including Spain, Germany, Portugal, Italy, Denmark, Norway, France the United States and Canada.
Among his accomplishments, Ydáñez has been conferred with the ABC award for painting and awarded first Pintura Generación 2002 Caja Madrid prize. He has also received scholarships and grants from the Colegio de España in Paris and the Marcelino Botin Foundation in Santander. He has also completed artistic residences in both Academia de España in Rome and Casa Wabi in México.
His work is part of numerous collections, which include the National Center of Arts Reina Sofia Museum, Mojacar de Almeria Museum, Zabaleta Museum, Botin Foundation of Junta de Castilla-León, Sofia Imber of Caracas, L’Oreal of Madrid, Municipal Museum in Madrid, National Center of Arts Reina Sofia Museum and the ABC Collection of Madrid.
Fulgor will be open to the public until December 15th 2017.
Pacific/Caribe 2016 – 2017 by Raúl Recio
July 13th, 2017. Torre Piantini, Av. Gustavo Mejía Ricart Esq. Abraham Lincoln, Suite 1A & 2A
Lyle O. Reitzel Gallery is pleased to present “Pacific/Caribe 2016 – 2017”, a solo exhibition of new and recent works by l’enfant terrible of Contemporary Dominican Art, Raúl Recio, whose work has been included in Vitamin P3 (a publication of the world’s hottest painters, selected by international expert). This solo show includes large paintings as well as drawings. The opening will be celebrated on Thursday July 13th, 2017 from 7 PM – 11 PM.
In this new show titled Pacific Caribe, l’enfant terrible of dominican contemporary painting exhibits a rigorous selection of works, curated by Lyle O. Reitzel, from 2016-2017, where the artist references his existential experience produced by his double life among two worlds: Los Angeles, California and Santo Domingo, DR. In this context of extreme contrasts between the pacific and the caribbean, is where his tropical landscape are created, with the integration of geometric figures, elements of art-deco, where in the fast misterios rivers, multiple erotic bodies survive in movement that mimitize with rocks. The landscape plays in the frontier of abstraction with flashes of hallucinations, the feeling of belonging is lost, it is no longer ours, neither of Raúl, the landscape becomes universal.
Raúl Recio was born in Santo Domingo in 1965, the lead of the generation of the 80s, he is the most renowned contemporary caribbean artists, his work has been included in Vitamin P3, an important publication about painting today. He has been distinguished with important awards such as: The Gold Medal, II Biennale of the Caribbean and Central America, Museum of Modern Art, Santo Domingo; Premio X Biennale of Printmaking, San Juan, PR; among other awards in the Biennale of Visual Arts of Santo Domingo during the 90’s. Recio has participated in numerous international biennales such as the Biennale of Havana, Biennale de Cuenca, Ecuador, among others.
His fine art prints have been exhibited in the prestigious institution Americas Society in New York and the Bass Museum of Miami Beach, Florida during the exhibition “Modern and Contemporary Art of the Dominican Republic, with a review that included one of his prints in the New York Times.
The writer Rita Indiana produced a video for the Guggenheim about this controversial artist of dominican painting:
All the Artificial Barriers By Gerard Ellis
June 15th, 2017. 139 Eldridge Street, New York, NY 10002
Lyle O. Reitzel Gallery is pleased to present “All The Artificial Barriers”, a solo exhibition of new and recent works by New York-based, Dominican artist Gerard Ellis. It includes large, mixed media works on canvas, as well as medium and small size works on wood.
